En esta propuesta “In situ”, El Choro, nos propone disfrutar de su flamenco tradicional, su baile gitano.

Es un recital en el que se acompaña de primeras figuras del toque y del cante.

El Choro, nacido en Huelva en 1985, es un destacado artista del flamenco. Aprendió las bases del género de su padre y continuó su formación con maestros como Manolo Marín y en la "Fundación Cristina Heeren de Arte Flamenco" en Sevilla. Su talento radica en su excepcional sentido del ritmo y la percusión, así como en su expresividad.

Es conocido por revitalizar estilos clásicos del flamenco con una contundencia rítmica única.

Ha colaborado con renombrados artistas y ha recibido premios, como el Premio Revelación en el Festival de Jerez en 2016. Su última producción, "#SiDiosKiere", se estrenó en 2022. Su influencia en la evolución del flamenco es innegable.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 4 de julio de 2024)

Esta propuesta visual y sensorial es el coexistir de dos mujeres que se relacionan en escena inspiradas en la figura mítica de E4l Doble, el tópico del ser enfrentado a la dualidad e identidad de sí mismo, el desdoblamiento tan referido desde el Romanticismo en la literatura, el cine y la filosofía.

Las mellizas Florencia Oz e lsidora O'Ryan se sumergen en una estética minimalista y contemporánea, que busca la armonía, la elegancia de la simetría y el equilibrio, para contar el viaje de cuando eran una sola, el instante en que una dejó de ser la otra para ser sí misma.
El baile, el flamenco, la percusión y la poesía visual de una influye en la voz, el instrumento, la melodía y la poesía cantada de la otra.

Puede ser que una naciera en el viaje trasatlántico y el baile flamenco, y la otra en el cello y la composición docta y vanguardista. Entre cuerdas, voces, gestos y movimiento, este poético diálogo que evoca recuerdos y sueño futuros, cuestiona desde el amor los márgenes donde termina el yo y empieza el otro.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 4 de julio de 2024)

Ralph Moore y Joris Dudli se conocieron en la escena neoyorquina a principios de la década de 1990 y han estado esperando una oportunidad para tocar juntos desde entonces. Ahora se está creando un cuarteto hecho a medida para Ralph con una gran sección rítmica formada por Renato Chicco al piano, Ignasi González al bajo y Joris Dudli a la batería.

Ralph Moore. Nacido en Inglaterra, Ralph llegó a los Estados Unidos en 1970 y estudió en Berklee College of Music desde 1975. En 1981 se trasladó a Nueva York, donde comenzó su carrera profesional como músico. Tocó en Horace Silver's quintet, con el que realizó una gira por Europa y Japón. Moore también trabajó con Roy Haynes, Mingus Dynasty y Freddie Hubbard en los años posteriores. En el verano de 1987, salió de gira con Dizzy Gillespie's Reunion Big Band. A partir de mediados de la década de los 80, Moore grabó una serie de álbumes en el Criss Cross Jazz con artistas como Steve Turre, Mulgrew Miller y Marvin Smitty Smith. En 2019 contribuyó al álbum nominado al Grammy MONK'estra Plays John Beasley.

Renato Chicco. Pianista y organista, estudió en la Universidad de Música de Graz, Austria, y en la Berklee College of Music de Boston. Durante su estancia en Nueva York (1990-1998), fue miembro del Lionel Hampton Orquesta (1990-1991) y pianista y director musical con Jon Hendricks & Company (1991-1997). Ha tocado con grandes del jazz, como Lou Donaldson, Woody Shaw, Freddie Hubbard, Clark Terry, Benny Golson, Red Holloway, Joe Williams, Wynton Marsalis, Gary Burton, entre otros. Actualmente es profesor de improvisación de jazz en la Universidad de Música de Graz.

Ignasi comenzó su carrera profesional en 1987 y se interesó por el jazz a mediados de los 90. Comenzó a salir de gira con músicos de la escena neoyorquina como Joe Magnarelli, Grant Stewart, Jim Rotondi, Eric Alexander, Peter Bernstein, Harry Allen, Houston Person y muchos otros. Durante los últimos quince años ha tocado con el saxofonista Scott Hamilton con quien grabó varios álbumes. Hace unos años, comenzó a tocar con el gran Benny Golson, viajando por toda Europa.

Joris Dudli. Empieza su viaje musical a finales de la década de 1970 como músico de estudio, con 18 años, se puede escuchar en muchas grabaciones con leyendas del pop austriaco. Después de convertirse en un miembro estable de la “Vienna Art Orchestra”, ha trabajado con todos los grandes del jazz austriaco, incluso con "Syndicate" de Joe Zawinul en 2004. A finales de 1980, fue el trompetista estadounidense Art Farmer quien jugó un importante papel en la conexión de Dudli con la escena del jazz de Nueva York. Ha grabado e interpretado con: Vincent Herring, Benny Baile, Johnny Griffin, Clifford Jordan, Jimmy Heath, Tom Harell, Joe Henderson, Joe Lovano, Mulgrew Miller, Sal Nistico, Harold Vick, entre otros. 

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(Invitaciones disponibles a partir del día 4 de julio de 2024)

Judeline es el futuro. Es así. En pocas ocasiones en la historia podemos encontrar un caso similar al de Lara en precocidad e impacto en la escena musical de nuestro país.

Con su primer EP, un lanzamiento formado por cinco temas y que lleva por título de la luz, se confirma todo el potencial que se intuía en sus colaboraciones junto a otros artistas como Alizzz, Oddliquor o Tuiste. En la línea de los grandes nombres que han redefinido el pop comercial en castellano desde nuestro país y para el mundo, de la luz cumple con la complejísima función de navegar por nuevos territorios sin dejar de mirar de reojo la riquísima tradición musical del sur de España.

Tras el lanzamiento de su EP, la gaditana nos sorprendió con otros dos singles muy diferentes a todo lo hecho, EN EL CIELO, este nuevo single lleva un paso más allá el difícil cometido de aunar vanguardia sonora y tradición del sur. la pestaña que soplé, aporta nuevos ángulos, como una escritura más personal y descarnada, producida por la propia Judeline junto a sospechosos habituales como Mayo y Tuiste, cuenta también con la aportación en dicha tarea del dúo francés Dame Civile.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 11 de julio de 2024)

‘Libertá’ es una reflexión esperpéntica donde su protagonista añora sus días de antaño, sus días y noches de altos vuelos…. Esta comedia descose muchos mitos de lo cotidiano a base de picotazos y, entre tanto, le pega una “patá en la boca” a Aristóteles… ‘Libertá’ es toda una sinvergonzonería literaria apta para un público dispuesto a divertirse… los intelectuales deberían de verla a ver si se les relajan los sentidos, se ríen una mijita y dejan de dá tanto por culo…

La compañía teatral de Charo Urbano surge en 2020 durante la pandemia del covid-19 para arrojar su humor y amenizar al público que aclamaban un espectáculo en solitario, tras más de 20 años en el mundo del espectáculo.
‘Esto NO es lo que era…’ estrenada en diciembre de 2020, junto a Mané Solano en la dirección de la misma, ha sido acogida y aplaudida por más de 10.000 espectadores en las 60 representaciones actuando en los principales teatros de Sevilla capital y sus municipios, y en ciudades como Málaga y Cádiz.
Charo Urbano continúa consagrada por el público y decide iniciar un nuevo es «La templanza» y «Grasa». En 2020, ha participado en la película “Mi gran despedida” presentada en el Festival de Málaga.
En teatro, interpretó el papel de ‘camarera’ de la obra Estrella Sublime, la cual ha estado realizando durante 16 años y siendo directora (actriz en ocasiones) de la obra «En Sevilla hay que morí» cosechando éxito haya a dónde vaya.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 11 de julio de 2024)

Latidos es una oda al nacimiento, donde el amor se revela al presenciar el acto de la vida como inicio de todas las cosas, la transformación que genera este sentimiento que abre las puertas a nivel emocional y en conjunción con el universo. 

Son un grupo de canciones que reflejan todas estas emociones desde diferentes ángulos y perspectivas en el proceso desde el nacimiento hasta la primera infancia.

Una reverencia a la experiencia de la paternidad, a la infancia, al lugar divino y transgresor al que se abren ante nosotros los hijos de este mundo… 

Los latidos son piezas musicales que recuerdan a las canciones de cuna afrocubanas, legado que nos dejaron compositores como Eliseo Grenet, Ernesto Lecuona, etc., llevando este concepto a un contexto más contemporáneo.

ARIEL BRÍNGUEZ

Ariel Brínguez (Santa Clara, Cuba 1982) ha tocado con músicos de la talla de: Tata Güines, Changuito Quintana, Larry Willis, Simply Red, Alain Pérez, Niña Pastori, Ketama, Paquito D'Rivera, David Murray, Omara Portuondo, así como Miguel Zenón y Marcus Miller entre muchos otros.

Ariel Brínguez ha presentado sus proyectos en los más prestigiosos Festivales de Jazz: Festival Voll-Damm de Barcelona, Festival Internacional de Jazz de Madrid, y Festival Internacional Vitoria-Gasteiz entre otros.

Lugares como Lisboa, Colonia, Múnich, Sofía, Hamburgo, Gratz se han sumado a la larga lista de escenarios donde ha compartido su música…

Más allá de las palabras. Algo que la cultura afrocaribeña ha dejado impreso en su legado cultural es que la música sólo puede experimentarse profundamente liberando el control mental, la timidez física y los prejuicios colectivos. Y eso marca una diferencia enorme entre un espectáculo y otro. 

Ese sello sin duda está presente en todos los proyectos y performances de Ariel Brínguez.

Más que un saxofonista virtuoso, Bringuez tiene un sonido y un fraseo personal y único, además de un universo compositivo fresco, filosófico y sofisticado. Su fácil y profundo confort en el escenario y su capacidad para comunicarse con la banda y el público superan las expectativas.

Sus múltiples talentos se reflejan en el agradecimiento de los rostros emocionados del público en cada concierto, como si ese legado yoruba, esa herencia sanadora de Brínguez, viniera a abrazar sus Almas en una danza feliz y renovadora.

Ariel Bringuez inició una nueva era para el sonido del saxofón cubano.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 11 de julio de 2024)

Carmen Xía es una cantante y rapera andaluza que fusiona tradición y modernidad. Su sonido bebe tanto del folklore andaluz y el flamenco como del hip hop y la electrónica.

Presenta temas robustos y crudos con letras ácidas y melancólicas; una fusión de la copla de Lola Flores, el boombap de Lauryn Hill y la música urbana de Gata Cattana. Carmen pone sobre la mesa la necesidad de reformular el pasado y la realidad actual. Re-pensar y re-sentir lo que nos identifica y envolver la tradición con este manto de búsqueda y revisión.

En diciembre de 2020 publica el primer single Orguyoça, su primer encuentro con el productor Suzio Tarik. Se estrena con un sonido pesado que dejan claras sus influencias electrónicas y copleras. Es un homenaje a las mujeres trabajadoras y artistas andaluzas, una declaración de orgullo por su tierra. Con más de 150k escuchas en Spotify es el pistoletazo de salida de su carrera musical. Con La Juani, su segundo single y primer videoclip publicado en julio de 2021, fusiona rumba con funk y amplía su paleta lírica, presentando un lado más divertido. Vuelve a colaborar con Suzio Tarik quien pasaría a ser su productor habitual y DJ. Otras 100k escuchas la convencen para componer su primer álbum: La Herida. La Herida se publica en marzo de 2022. Este álbum debut es el retrato de un viaje de búsqueda en las raíces andaluzas y la memoria. Un homenaje lírico e instrumental a sus diversas influencias. Encontramos a figuras como Camarón de La Isla, con el que comparte ciudad natal, La Paquera de Jerez, Marifé de Triana, Ariadna Puello, Mala Rodriguez, etc. Con esta artista gaditana, nuestro sur vuelve a ser nuestro norte.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 11 de julio de 2024)

Meter los Pies: Dos bailarines que se presentan como máquinas de ritmo, secuenciadores de polirritmos para transmitir y transmutar el legado de aquellos bailarines históricos que fueron patriarcas, apóstoles y profetas del zapateado y sus discípulos, zapateadoras prodigiosas y mujeres valientes, reinas indiscutibles del baile flamenco.

Siguiendo el antiguo concepto de baile a la guitarra, transcribiremos al zapateado partituras, músicas y toques flamencos históricos que se entrelazarán para crear un polirritmo aleatorio y sorprendente que será a su vez la estructura, el acento, la textura y el orden.

Un soporte rítmico que nos brinda el propio zapateado, pero que también buscaremos en las vivencias, testimonios y conceptos de nuestros antepasados ​​y de nosotros mismos y que encontraremos a lo largo de un recorrido que nos llevará a romper la línea recta que produce el metrónomo para realizar la medición exacta del pulso. Un viaje que nos incita a buscar texturas y sonidos con los pies descalzos para que otros bailen sobre una falla tectónica sintiendo la vibración de un terremoto, a cantar el zapateado con el lenguaje onomatopéyico que sólo los bailarines entienden o a colocarnos verticales y estáticos en un plaza de toros, donde la ferocidad del toro que embiste y el coraje del hombre que lo enfrenta se entrelazan en un doble paso de vida y muerte, una superposición de métricas rítmicas que representa la lucha del hombre moderno y la máquina, de la improvisación y la premeditación y que nos hará bailar y pisar inspirados en el sonido de las máquinas de una imprenta, el ruido del ferrocarril, de motores eléctricos de diferente intensidad, de una impresora, de metrónomos o de la maquinaria de la UCI de un hospital.

Llegar a la caída o al tropezón, al zapateado arrodillado como un penitente o mirando al cielo. Zapateado suave, zapateado enérgico; como un salvaje, como en el ritual nijinskyano de la primavera, como un bailarín de claqué americano, un jarocho, o un endemoniado… como un flamenco.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 18 de julio de 2023)

Amanece un nuevo día para O Sister! (y todo lleva a pensar que será un buen día).

Tras 15 años de trayectoria, las sisters están felices de presentar su sexto álbum, Brand New Day, con la sensación de renacer. No empezar de cero, sino reencontrarse y reconocerse en ese modo orgánico de concebir la música y su fructífera relación como grupo que les ha hecho evolucionar naturalmente. La naturalidad, de hecho, impregna este nuevo disco, una (re)vuelta a las raíces que viene de sentirse cómodas con sus orígenes e influencias particulares: nunca fueron músicos puros de jazz; más bien las sisters son impuras y descastadas. De esos varios colores surge ahora un estilo libre de corsés estilísticos, sin complejos y sin disimulo, donde el balanceo sale solo.

Con Brand New Day, el sexteto radicado en Sevilla nos ofrece 12 composiciones propias de 12, que son reflejo de un compromiso con el presente y el futuro similar al que han demostrado como colectivo. En este pleno de material original, los textos continúan ganando peso: letras sobre temas actuales y a la vez seculares, que hablan de lo que nos afecta, de lo afectivo; de lo terrenal y de lo íntimo. La reconexión con lo natural incluye la naturaleza humana, y en eso el humor sigue teniendo un papel protagonista en las canciones, retroalimentado por el contacto directo con el público. También eso es honrar el legado del swing de hace un siglo: el comentario crítico por vía de la ironía.

Buscando ese equilibrio entre sonidos nuevos y de raíces, O Sister! se retiraron para la grabación a Garate Studios (Depedro, Manta Ray, Madredeus...), un caserío rodeado de luz y silencio en las faldas del monte Belkoain de Gipuzkoa.

Su habitual productor Jordi Gil (Derby Motoreta’s Burrito Cachimba, Rocío Márquez, Bronquio, Arcángel...), asistido por el técnico de directo de la banda Javier Mora, contribuyó a que saliera a relucir toda su sensibilidad: la del grupo original, formado por Paula Padilla, Helena Amado y Marcos Padilla (voces) junto a Matías Comino (guitarras),

Camilo Bosso (contrabajo) y Pablo Cabra (batería); y la que añade el trío de colaboradores The Horn Department que componen Julien Silvand (trompeta), Juli Aymí (clarinete y saxo alto) y Carlos Santana (trombón y teclados).

La conjunción de estos elementos ha renovado la firme creencia osisteriana en un registro estrictamente en vivo de los temas, que permite el diálogo y que esta vez incluso les ha llevado a grabar en acústico y sin auriculares. Lo natural, de nuevo, era escucharse unas a otras, tenerse como referencia. Acaso esa sea la enseñanza más valiosa de estos años.

Brand New Day se presenta como una señal de esperanza en estos tiempos de incertidumbre y desánimo. No una utopía, sino lo opuesto: la conciencia de tener los pies en la tierra, y de compartirla. O Sister! transmiten con sus canciones la idea de que todo puede ser nuevo bajo el sol si se refresca la mirada. La sensación de que, cuando el día comienza, todo es aún posible y queda todo por hacer, por vivir.

O Sister! es un grupo con 15 años de trayectoria y 6 discos publicados que, enraizado desde sus orígenes en los sonidos y ritmos del jazz primigenio de Nueva Orleans, ha ido desarrollando un rico repertorio de composiciones propias y un estilo muy particular. El sexteto radicado en Sevilla vuelca esa memoria musical en una fuerte implicación con el presente, combinando en su estética la tradición jazzística más genuina con un abanico de influencias - de las músicas latinoamericanas al pop, pasando por el blues o el lounge - que la abren al contexto diverso y global de estos nuevos años 20.

Con su trío de voces en armonía cerrada - al modo de los grupos vocales clásicos - como seña de identidad, desde su fundación en 2008, O Sister! profundiza en el acervo musical de la era dorada del swing y el dixieland bajo dos premisas: incorporar a esos géneros nuevos arreglos y sensibilidad contemporánea; y sacar a la luz el legado de mujeres creadoras e intérpretes fundamentales, a menudo olvidadas, como The Boswell Sisters. Espíritu que impregna sus tres primeros álbumes (Crazy People, 2009; Shout, Sister!, 2012; y Spooky Sessions, 2014), con los que se abren paso en la escena nacional e internacional.

El siguiente LP (Stompin’ in Joy, 2016) marca un hito en la evolución natural de la banda al incluir por vez primera canciones originales, que son el destilado de aquella inmersión en la historia del jazz de sus primeros años. En ese sentido, sus dos últimos trabajos (Nobody Cares, 2020; y el recién lanzado Brand New Day, 2024) representan la consolidación de la madurez creativa y la diversificación estilística derivadas de un viaje compartido no solo en el estudio, sino también - y sobre todo - en el escenario, que les ha llevado a incorporar otros dejes y acentos a su música.

Como demuestran los más de 500 conciertos con los que han recorrido la geografía española y buena parte de Europa, Estados Unidos y Asia a lo largo de estos años, O Sister! nunca han dejado de reivindicar el poder de la música en vivo. Por eso mantienen intacta la ilusión de presentar sus canciones en un directo explosivo, que busca tanto la exquisitez como la emoción, con su característico humor siempre presente; notas distintivas que les hacen conectar con los públicos más heterogéneos. Todo el mundo quiere dejarse llevar por el vitalismo desbordante de estas hermanas.

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(Invitaciones disponibles a partir del día 18 de julio de 2024)

Imagina la versión millenial de Jeanette, Julieta Venegas o Astrud Gilberto.

Lo suyo es el pop BONITO. Lusillón con su primer disco "Pensando mucho y mal" (enero 2023) trae al presente décadas de dulzura, elegancia y estribillos irresistibles.

El momento musical clave de Lucía fue cuando se compró su guitarra y empezó a dar clases, con 13 años, con un profesor cubano. En nada pasó de acordes de bossa y Ray Charles al modo fan y a versionear en Youtube a Rosalía, Tangana, Shawn Mendes o Camila Cabello. Y fue aquí, tras esta versión, cuando Camila Cabello le escribió a través de Twitter para animarla a continuar, y empezó a escribir sus propias canciones. 

Comenzó autoeditando canciones íntimas y bonitas, aunque Lucía no destaca por ser cohibida: en esa época abordó a James TW en medio de un meet & greet y acabaron cantando juntos en medio del parque del Retiro. 

El tiempo para su música se lo dio el primer confinamiento por el Covid. Lucía canta sobre momentos que le gustaría que se hiciesen realidad, con una cadencia vocal suave y narrativa. Una canción positiva como “Un vermú conmigo” ya ha llegado a más de cuatro millones de oyentes. Y “Me quiero ir” ya la supera tras el verano. 

"Me quiero ir" abre el film "Culpa mía". Se estrena en junio y en su primera semana encabeza el Top de Prime en más de 180 países. La canción alcanza el Top200 de Shazam Global y entra en el Top de países como Alemania, Argentina, Francia, Austria, España, México, Chile, etc.  y el Top50 Viral en Spotify España, Italia, Indonesia o India.

Tras la publicación del single caribeño “BRILLO EN LOS DIENTES” con el que prueba la bachata con producción de Turian Boy, y de su colaboración con Ona Mafalta en “Ahí”, comienza a trabajar en su segundo disco. 

Antes de terminar el año estrena un tema que ha destacado en sus conciertos durante su gira, la versión del megahit mundial de Ozuna “El farsante”. 

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(Invitaciones disponibles a partir del día 18 de julio de 2024)

EUFORIA, INTIMIDAD Y DEPRESIÓN - QUINCE AÑOS DE CAMBIOS EN LA COLECCIÓN DE PINTURA JOVEN DE LA UNIVERSIDAD INTERNACIONAL DE ANDALUCÍA

Los desacertados relatos generacionales a los que hemos asistido en los últimos años han simplificado sobremanera la pintura de los/as jóvenes creadores/as andaluzas, proyectando  una visión escuálida y localista de ésta. En un mundo globalizado resulta absurdo hablar, por ejemplo, de cierta identidad territorial o sentido de pertenencia que se  pueda trasminar colectivamente en la pintura.

A simple vista, podríamos creer que algunos/as artistas que integran la colección de pintura de la UNIA responden a la realidad de su tiempo desde un mismo posicionamiento, pero,  repentinamente, una energía más sutil o estridente irrumpe en esa corriente desbaratando dicho relato. No se trata de una excepción, son múltiples las voces, numerosas las  respuestas. Sin embargo, si bien no podemos hablar de generaciones u oleadas, sí existe un factor común a todos ellos: la juventud desde la que crearon estas piezas.

El verdadero valor de esta etapa vital reside en la transición entre los extremos, el viaje desde las alturas a las profundidades, la capacidad del desequilibrio. Es esa falta de mesura la  que ha convertido históricamente a la juventud en un ente sospechoso y hasta peligroso que debe ser reprimido y controlado. Las prácticas juveniles han escapado históricamente de las trayectorias impuestas por la ideología dominante adultocéntrica, ya que es propio del crecer reivindicar las acciones e identidad propias, tantear los límites para así saber dónde  se encuentran los centros.

También la pintura joven se presta a dichos vaivenes emocionales, a expresarse en términos absolutos alejados de la moderación y, por ello, esta exposición toma tres estados de  ánimo propios de la juventud: euforia, intimidad y depresión. Los tres sentimientos se traducen en tres capítulos que generan tres atmósferas expositivas distintas.

La primera, euforia, muestra una serie de obras de colores y formas vívidas cuyo entusiasmo se percibe en una puesta de pintura valiente e intuitiva. El capítulo de intimidad, por el  contrario, está protagonizado por piezas silenciosas y nostálgicas que nos muestran sutiles paisajes y escenas interiores. Por último, depresión, el episodio más actual e irónico,  compuesto por un conjunto de pinturas que reflexionan sobre la sensación de fracaso e incapacidad propios de la juventud de nuestro tiempo.

Debemos tener en cuenta que entre algunos de los artistas seleccionados por la UNIA distan más de 20 años y, sin embargo, sus piezas conectan de un modo mágico en uno de esos tres ámbitos. Los tres términos seleccionados funcionan, al fin, como constantes históricas o "eónes" que se repiten cíclicamente en la juventud de cada generación, superando la  barrera del espacio y el tiempo.

Regina Pérez Castillo.
Comisaria de la exposición

Una exposición de la Universidad Internacional de Andalucía

Con la colaboración de Fundación Unicaja

Fechas:  Del 25 de abril al 19 de julio de 2024.

Horario de visitas: 

Lunes a viernes de 09.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 hrs.

Sábados de 10.00 a 14.00 hrs.

Domingos y festivos cerrado.

Catálogo: Euforia, intimidad y depresión | UNIA

 CARLOS BERLANGA: EL ETERNO RETORNO

Sede tecnológica de Málaga - Plaza de la Legión Española, 1. 29007 - Málaga -

Del 15 de septiembre al 15 de noviembre de 2022.
De lunes a viernes de 10:00 a 14:00 h. y martes, miércoles y jueves de 16:00 a 18:00 h.

Carlos Berlanga es un icono de la cultura pop en España en los años 80 y 90. A través de esta exposición se muestran obras nunca antes expuestas, acompañadas por creaciones de artistas de su entorno como Guillermo Pérez Villalta, Sigfrido Martín Begué, Alberto García-Álix, o Alaska. La muestra es posible gracias a la colaboración con la Fundación Olontia de Arte Contemporáneo y a la colección de Pedro Almodóvar.

Con el comisariado de Pablo Sycet, esta exposición pone a disposición del público a un Carlos Berlanga que se muestra en su faceta de artista poliédrico. Así, su dimensión como creador plástico se sitúa al mismo nivel que su extraordinario talento musical como compositor de canciones que perduran en la memoria colectiva de generaciones completas (como “A quién le importa”, “Cómo pudiste hacerme esto a mí” o “Ni tú ni nadie”). No en vano, el propio Berlanga se sentía tan pintor como músico, ilustrador, escritor o dibujante de cómics.

“Carlos Berlanga. El eterno retorno” reúne obras de todo tipo: una selección de sus pinturas, dibujos, obra seriada, su única escultura conocida, obras de diseño gráfico, originales autógrafos de letras de sus canciones, bocetos, materiales de trabajo… Además, estas piezas están acompañadas por dos grandes bloques temáticos: por una parte, un conjunto de más de una galería de retratos del propio Berlanga realizados por renombrados fotógrafos como Alberto García-Álix, Javier Vallhonrat, Miguel Trillo o Pablo Pérez-Mínguez, entre otros; por otra, una selección de más de treinta obras de un conjunto de artistas que compartieron, en algún momento, momentos de su vida personal y creativa con Carlos: Alaska, Pedro Almodóvar, Nacho Canut, Juan Carlos Eguillor, Fabio McNamara, Carmen Santonja o Gloria Van Aerssen, entre otros.

La muestra se completa con un espacio sonoro en el que se podrá escuchar una antología de sus mejores canciones durante el concierto de presentación de Alaska y Dinarama en el programa de TVE “La edad de oro”, así como una entrevista realizada a los miembros del grupo. Finalmente, los visitantes encontrarán en la UNIA de Málaga una rareza en la obra “berlanguiana”: una pintura inacabada realizada a cuatro manos por Carlos y su progenitor, Luis García Berlanga. Por otra parte, entre las obras expuestas destacan portadas de discos diseñadas por Berlanga (como los de Alaska y Dinarama) o el carteles como “Matador”, de Pedro Almodóvar.

Para Antonio Ruz, la danza no debe limitarse a un espacio escénico convencional, sino que debe dialogar con la arquitectura y la energía de otros lugares permitiendo así que otros públicos la descubran y accedan a ella.
‘Recreo’ es una propuesta de la Compañía Antonio Ruz, que cumple con el propósito de sacar la danza de la caja escénica y olvidar la frontalidad, cambiando la percepción del hecho coreográfico en un contexto cercano y tridimensional.
Con la improvisación como base, la danza y la composición de Ruz, ‘Recreo’ genera un diálogo íntimo con la arquitectura y fisionomía del espacio donde se representa, en forma de site-specific.
La interacción con los elementos arquitectónicos, la luz y el sonido, alteran la percepción de un lugar aún no habitado por el movimiento. En contraste o en sintonía con ese espacio no convencional, se recrean nuevos universos y se exploran posibilidades de diálogo entre cuerpo y espacio, individuo y grupo, tradición y modernidad, ofreciendo un espectáculo irrepetible.

Duración: 40 minutos.

• Dirección y coreografía: Antonio Ruz
• Interpretación y colaboración coreográfica: José Alarcón, Carmen Fumero, Manuel Martín, Lucía Montes, Alicia Narejos y Miguel Zomas
• Música: Aire
• Producción: Paola Villegas y Gabriel Blanco – Spectare
• Distribución: Valeria Cosi – Tina Agency

Lugar: Pistas deportivas de la Sede Antonio Machado de la UNIA

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La Compañía Antonio Ruz celebró su 10º aniversario con la creación de su primera película de danza en coproducción y colaboración artística con ELAMOR en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Aún es un encuentro celebrativo en el que más de 20 intérpretes que han colaborado con Ruz en los últimos diez años revisitan algunos de los trabajos de la trayectoria de la compañía para generar una nueva pieza original, aportando nuevos enfoques sobre proyectos existentes.

Las distintas estancias de este emblemático edificio se activan por secuencias coreográficas, provocando un diálogo entre el movimiento, la cámara y la arquitectura. Una intervención para abordar el pasado, el presente y el futuro de la compañía y, al mismo tiempo, rendir homenaje a la ciudad de Madrid, que ha sido pivotal en su reconocida trayectoria.

El proyecto busca crear un espacio de celebración y encuentro para la danza contemporánea en relación con otras disciplinas como las artes plásticas o la música, abriendo una ventana a la investigación y la experimentación, y trascendiendo los límites de la danza como hecho irreproducible con la creación de un documento audiovisual para la memoria.

Duración: 40 min

Ficha artística:
DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA Antonio Ruz
CODIRECCIÓN Y ASESOR CREATIVO Manuel Rodríguez (ELAMOR)
BAILARINES Y COLABORACIÓN COREOGRÁFICA Melania Olcina, Carmen Fumero, Lucía Montes, Ángela Chavero, Begoña Quiñones, Mado Dallery, Laura García, Teresa Garzón, Verónica Garzón, Elia López, Paula Montoya, Alicia Narejos, Cristina Reolid, Manuel Martín, Alejandro Moya, Julián Lazzaro, Jose Alarcón, Marcos Martincano, Mario Olave, Sergio Jaraiz, Arturo Franc Vargas
AYUDANTE DE COREOGRAFÍA Lucía Bernardo
PRODUCCIÓN Compañía Antonio Ruz - Spectare
COPRODUCCIÓN ELAMOR PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL Lejos lejos
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Sara Gallego
AYUDANTE DE DIRECCIÓN Elisa Celda MÚSICA Aire (ELAMOR)
DISEÑO DE SONIDO Alberto Carlassare, Martín Scaglia
MONTAJE Elisa Celda, Roberto López DISEÑO DE VESTUARIO Javier Morales
MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA Natalia Calero ETALONAJE Clara Rus
DISEÑO GRÁFICO Esteve Padilla (ELAMOR)
PRENSA Y COMUNICACIÓN Marta Baeza - La Locomotora, Limón Prensa
FOTO FIJA María Alperi MAKING OF Elena Feduchi (ELAMOR)
COLABORACIÓN Centro Cultural Sanchinarro, 2deo Tabakalera

Lugar: Salón de Actos de la Sede Antonio Machado de la UNIA

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En su nuevo proceso creativo, el coreógrafo Guillermo Weickert quiere cuestionarse sobre aquello que le mueve y conmueve, sobre su propio lenguaje escénico, su búsqueda intuitiva de esas atmósferas que comunican como un destello, apelando antes a los sentidos, que a la razón y no ya a la “belleza” como gracia, sino al movimiento emocional que se genera en el ánimo del espectador.

La construcción de la pieza escénica para sala, que verá su estreno en 2024, se plantea como una serie de capítulos de una investigación con diferentes formatos (video danza, creaciones para espacios no convencionales, asaltos artísticos de composición a tiempo real) y temáticas.

Presentamos en la Universidad Internacional de Baeza bajo el título de “Grados de Intimidad” el encuentro del músico Miguel Marín Pavón “Árbol”, la bailarina Luna Sánchez, el diseñador de iluminación Benito Jiménez y el propio Guillermo Weickert: Colisionar en escena sus prácticas y sus cuerpos para descubrir y el potencial expresivo de esta colaboración y compartir con el público la vibración de ese momento irrepetible.

El lenguaje físico y dancístico pone en evidencia la diferencia generacional de los intérpretes y plantea la cuestión de nuevas maneras de bailar juntos y entrelazar los cuerpos más allá del tema recurrente del amor romántico o la relación de pareja, nuevas lecturas y narrativas más allá de la lectura y la perspectiva masculina, más allá de las convenciones de los cuerpos normativos o el virtuosismo técnico. La intimidad en el espacio, a veces público, a veces privado, de la escena y en relación con la mirada del público como telón de fondo de una manifestación cultural que, desde el juego en tiempo real y la improvisación, propone generar un material artístico de alta temperatura y riesgo con el catalizador de la imprevisibilidad.

Duración: 50 minutos.  

• Idea, dirección: Guillermo Weickert
• Intérpretes: Luna Sánchez, Miguel Marín y Guillermo Weickert
• Música en directo: Miguel Marín, “Árbol”
• Diseño de iluminación: Benito Jiménez
• Producción: El Mandaito Producciones. S. L.

Lugar: Pistas deportivas de la Sede Antonio Machado de la UNIA

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El gobernador de un estado de México se alía con un empresario y pagan a un grupo de policías para que se desplacen hasta la otra punta del país a secuestrar a una periodista que ha publicado un libro donde les denuncia por trata de niñas. Esos policías pueden secuestrarla “legalmente”, torturarla, matarla por el camino y lanzar su cuerpo al mar donde probablemente nadie lo encontrará nunca. Pueden desatar el horror y salir totalmente impunes. O no…
En el país más peligroso para ser periodista y activista, hay mujeres que se enfrentan al creciente poder político de la delincuencia organizada. Una de ellas es Lydia Cacho, quien desafía a políticos, mafiosos, pederastas y feminicidas. Esta función está basada en su biografía, “Memorias de una infamia”, donde se retrata el modus operandi de un gobierno cómplice de la corrupción y la violencia, además del valiente testimonio de mujeres y niñas de su país.

Duración: 75 minutos. 

• Autora: Lydia Cacho
• Adaptación: Lydia Cacho y José Martret
• Dirección: José Martret
• Con: Marta Nieto o Marina Salas
• Diseño de espacio escénico y vestuario: Alessio Meloni
• Diseño de iluminación: David Picazo
• Diseño de sonido: Sandra Vicente
• Diseño de videoescena: Emilio Valenzuela
• Operadora de cámara: Alicia Aguirre Polo
• Ayudante de dirección: Pedro Ayose
• Jefe de producción: Juanfran García
• Dirección de producción: Eva Paniagua
• Una coproducción de Teatro Español y Producciones Come y Calla 

Lugar: Teatro Montemar. Calle del Cozar, 5, Baeza

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En el cielo, la diosa Fama anuncia su intención de casarse con un genio del teatro. Sus criados Dato, Mito y Chisme la llevan a París para conocer a un tal Molière y seguir su azarosa vida y sus hilarantes obras. Una historia de amores, desamores, celos, encuentros, desencuentros, duelos, danzas, canciones… y una selección de las escenas más divertidas, irónicas, sarcásticas y escandalosas del genio de la comedia.
Vive Molière es un canto al dramaturgo cómico más importante de la modernidad. Un homenaje, una indagación y, sobre todo, una celebración de su despliegue de personajes, situaciones y escenas memorables, con una amplia gama de registros que pasan de la farsa burlesca a la ironía sutil e incluso la amargura.
Desde Las preciosas ridículas hasta El enfermo imaginario, desde Tartufo a Don Juan, desde La escuela de mujeres a El misántropo, proponemos una selección desternillante de las grandes escenas de sus mejores piezas dramáticas, con el hilo conductor de su propia vida.
¿Fue Molière un cómico sarcástico en lucha temeraria con las costumbres de su época? ¿Fue un “hombre de Corte” acomodaticio que puso en marcha todos los hilos de su influencia para amasar fortunas en el entorno versallesco? ¿Fue un genio al servicio del poder o un peligroso corrosivo social?
Ay Teatro presenta una visión delirante, desenfadada e iconoclasta del gran comediógrafo, de su ámbito teatral y de su siglo. Un elenco joven con música en directo al servicio del genio incomparable de Molière.

Duración: 90 minutos.

• Dirección: Yayo Cáceres
• Reparto: Kevin de la Rosa, Juan de Vera, Marta Estal, Laura Ferrer y Mario Portillo
• Dramaturgia: Álvaro Tato
• Música original: Yayo Cáceres
• Arreglos: Yayo Cáceres y Marta Estal 
• Coreografía: Nuria Castejón 
• Escenografía: Ay Teatro y Tatiana de Sarabia 
• Diseño de vestuario: Tatiana de Sarabia
  Diseño de iluminación: Miguel A. Camacho
• Diseño gráfico y fotografía: David Ruiz
• Sastrería: Maribel Rodríguez RH y Alejandro Jaén
• Dirección técnica: Amalia Portes
• Producción ejecutiva: Marina Camacho
• Secretaría de producción: Carmen Quirós
• Prensa: Daniel Mejías
• Ayudante de prensa: Jorge Ochagavía
• Distribución: Emilia Yagüe Producciones
• Dirección de producción: Emilia Yagüe

Lugar: Teatro Montemar. Calle del Cozar, 5, Baeza

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"El saco del hombre de las flores" - Rosa Aguilar.

"S/T" - Andrés Aparicio.

"No se por qué me siento fatal" - Alejandro Garófano.

"Es todo bastante confuso" - Guillermo Velasco.

"El minuto de silencio (Kinsley)" - Juan Manuel Benítez Grima.

"El Parque" - Abel García.

"Non space" - Víctor González.

"Pila" - Lucía Tello.

"Aljarafe" - Laura Vinós.